Meet Guy Matsuda

Guy Matsuda works from a studio overlooking open pasture and woods in rural Western Massachusetts. The quiet setting offers minimal distraction from the outside world, allowing for focused engagement with the clay. The surrounding plant life often finds its way into his work through expressive brush strokes, and the rural location enables him to maintain both gas and wood-fired kilns—each offering its own unique beauty.

“For me, throwing pots is a meditation at the wheel,” he says. “Each pot is like a sketch, so each piece is distinctive.” Rather than producing matching dinnerware sets, Matsuda creates singular works with character and presence.

His current work is thrown with porcelain clay, using traditional Asian glazes and techniques. The whiteness and occasional translucency of porcelain allow the glazes to reveal their true depth of color—tones that might otherwise be muted or lost.

One hallmark of Matsuda’s practice is the technique of chattering. Using an L-shaped piece of metal that vibrates against the spinning clay, he chips away fine bits of the surface to create a rhythmic, tactile design. Once covered in a translucent glaze such as celadon and fired, these areas respond differently to the glaze, creating darker accents and a texture that is both visual and tactile.

One of Matsuda’s greatest influences is the Japanese Mingei Folk Art Movement of the early 20th century, which celebrated the overlooked beauty of everyday utilitarian objects made by anonymous hands. He is also inspired by 17th- and 18th-century New England potters, whose salt-glazed, wood-fired wares often bear the marks of what he calls “happy accidents”—unexpected flashes of color and variation that arise in the firing.

“I’ve always been fascinated by the vessel,” Matsuda reflects. “The shape, the usage, the visual beauty—and how it complements the food being served.” His work is simple and functional, with design elements that quietly support rather than distract from the experience of the meal.

Guy Matsudaは、マサチューセッツ州西部の牧草地と森に囲まれたアトリエで作陶しています。外界からの干渉がほとんどない静かな環境は、粘土と向き合うための集中を可能にします。周囲の植物のかたちや動きは筆致として作品に現れ、薪窯とガス窯の両方を備えたこの田舎の環境は、異なる焼成法それぞれの美しさを生かすことを可能にしています。

「僕にとって、ろくろを回すことは瞑想のようなものです」とGuyは語ります。「それぞれの器はスケッチのような存在で、どれも独自の表情を持っています」。彼の作品は、揃いの食器セットではなく、一点一点が個性的で特別な存在です。

現在の作品は、磁器土を用い、伝統的なアジアの釉薬と技法を取り入れて制作されています。磁器特有の白さや半透明性は、釉薬の色味をより鮮やかに引き出し、通常なら埋もれてしまうような繊細な表現を可能にします。

特徴的な技法のひとつに「チャタリング（面取り模様）」があります。L字型の金属片を使って、回転する粘土の表面を細かく削りながら模様を施すこの技法は、視覚的にも触覚的にも心地よいテクスチャーを生み出します。透明釉（たとえば青磁）を施して焼成することで、削られた部分がより濃く発色し、自然な陰影とリズムが浮かび上がります。

彼に大きな影響を与えたのは、20世紀初頭の日本の民藝運動です。産業化の波に対する反応として生まれたこの運動は、無名の職人たちが日々の生活のために作った実用的な工芸品の中に宿る美を見出そうとするものでした。また、17〜18世紀のニューイングランドの陶工たちにも共鳴を覚えています。彼らの多くは名もなき存在でしたが、薪と塩によって焼かれた器には、焼成中に生まれる「嬉しい偶然」による色の変化や景色が現れ、それが作品一つひとつに唯一無二の表情を与えています。

「僕はずっと“器”というものに魅了されてきました」とGuyは言います。「そのかたち、使い方、そして視覚的な美しさ——とりわけ、料理を引き立てるという役割に」。彼の作品は、装飾が料理の邪魔をすることなく、静かに寄り添うようなシンプルで機能的なデザインに貫かれています。